e-book La magia de dibujar FIGURA HUMANA

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Como decía el pintor Antonio Saura, El Prado es la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado que existe en el mundo. Porque el Prado es infinito. Nuestra visita es completamente sensorial, material, sentimental, pasional Muchos artistas, poetas, escritores y por supuesto pintores han tomado estos interiores del Prado como lugar de estancia preceptiva, como sitio de culto casi diario desde donde llenarse de sabiduría y donde invocar a la inspiración.

Este es, precisamente, uno de los espacios donde mejor podemos ver la evolución del arte, de sus corrientes, de la dialéctica entre las distintas mentalidades que hicieron progresar las técnicas y la visión sobre el mundo. Un símbolo para comprender que el arte es un camino de ida y vuelta un ciclo permanente desde el cual sigue evolucionando la creación y el ser humano. El Prado no expone una muestra de lo que se hizo en distintas épocas, sino lo mejor que produjo cada una de ellas.

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Precisamente las grandes colecciones del Prado comienzan a partir de la revolución artística del Quattrocento. La captación de la luz, la reproducción del espacio, apoyado en las reglas de la perspectiva, y la representación de la expresión humana, acercaban la realidad al espectador. Los protagonistas abandonan el plano frontal y ocupan el espacio creando diagonales.

La pintura de Fra Angélico representa el paso natural entre la tradición gótica y el primer Renacimiento Italiano. En una de sus piezas maestras, La Anunciación, las formas góticas conviven ya con una sensible preocupación por la perspectiva y el relieve. De manera innovadora, la paleta de Mantegna dota a los personajes de volumen y peso. La historia de Nastagio Degli Onesti da color a la venganza amorosa que se narra en el Decamerón. La religión se mezcla con el mito y los valores de la antigüedad se dan la mano con el naciente humanismo.

Los flamencos aportan en sus cuadros una técnica diferente, la pintura al oleo, que proporciona a la obra una mayor gama de colores e intensidad. Es El descendimiento de Weyden. El cuadro es un prodigio en el tratamiento del color que resume todos los avances de la pintura flamenca. La expresividad de los rostros hace que el espectador sienta piedad, creando una identificación afectiva que potencia el lado humano de los protagonistas.

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Este hito, junto con la llegada de Cristóbal Colón al nuevo mundo, va determinar el inicio de la supremacía española en el orbe occidental. Siempre centro de interés en el Museo, la Gioconda del Prado congrega la atención del espectador. De procedencia alemana, Durero es un nombre propio de esta etapa.

Un hombre del renacimiento con preocupaciones artísticas, pero también científicas y humanistas. Aunque la exaltación del individuo también lleva a otros autores a reflexionar sobre el sentido de la vida y de la propia belleza. El barquero conduce a las almas que deben elegir entre la costa abrupta del paraíso o el lado amable del infierno. Entre los nuevos temas que en el Renacimiento, los flamencos aportan a la pintura, destaca el paisaje. En el siglo XVI, las nuevas técnicas, especialmente las relacionadas con la óptica, influyen en la situación del punto de vista y en cómo plasmar la naturaleza.

Brueghel el Viejo, en su obra magna El triunfo de la muerte hace convivir a vivos y muertos en una visión apocalíptica del mundo. Brueghel bebió de las ideas de un adelantado de su tiempo: Jerónimo Bosch, El Bosco. En el Carro de Heno plasma una aguda visión de la sociedad de clases, donde papas o emperadores hasta la masa plebeya buscan su ración de heno para satisfacer necesidades y placeres.

Sin embargo, si unos la tienen a mano, otros necesitan pelear por las sobras. Entre el Génesis y el infierno, la tabla central retrata una Humanidad entregada a los placeres mundanos de la vida.

1. Aprende a observar.

Deseos lujuriosos y efímeros son protagonistas de un mundo ideal que vigilado por la moral, parece condenado a su propia degradación. Carlos I de España y V de Alemania crea el mayor imperio conocido hasta entonces en occidente y con él se inicia la lucha contra la Reforma Luterana que va a dividir Europa durante siglos. Es por lo que ha llegado hasta nuestro días una de sus mayores colecciones, de las que el Museo del Prado es hoy su albacea. En Carlos V a caballo, retrata al Rey tras la victoria sobre los protestantes en la batalla en Mühlberg. Con esta obra se crea un modelo de retrato oficial y un axioma que va a perdurar hasta nuestros días: la necesidad del poder de visualizarse e inmortalizarse como tal, ante el mundo.

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Para ello se va a valer del elemento paisajístico, hasta entonces rechazado en este tipo de pinturas. Si Durero abre la puerta a una nueva concepción y papel social del retrato al inmortalizar a la nueva burguesía emergente del renacimiento, Tiziano lo dota de una relevancia regia desconocida hasta entonces.

Ellos iniciaron un camino que otros genios elevaron, revisaron o trasgredieron.

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A partir del siglo XVI, el retrato empieza a jugar un importante papel incluso, en las relaciones entre Estados. Miembros de la familia real española y de otras monarquías, o personajes destacados de la corte son retratados de forma natural y detallada. O Goya, que no solo nos coloca en el mismo plano, sino que nos enseña el alma profunda de los individuos que inmortaliza. En la España del imperio y la guerra religiosa, la actividad creativa empieza a ser frenética. En sus lienzos, el espacio se comprime, los colores son inimitables y las figuras se alargan y retuercen en busca de complejas posturas que en ocasiones, parecen estar flotando en el propio cuadro.

Casi siempre dando forma a unos temas al gusto de su mejor cliente, una iglesia embarcada en una radical campaña de moralización. Oscuridad que define, luz que modela. Imagen que exalta la vida y el color en un entorno de tinieblas.

Caravaggio es con su manera peculiar, el primer pintor que definitivamente dobla la esquina del Renacimiento. Pero no todo el arte del momento va a estar en la línea marcada por el Tenebrismo. Dos actitudes ante el mundo conviven y se enfrentan en el pensamiento europeo. Con él llega la influencia barroca, triunfante sobre el estilo de Caravaggio o Ribera. La sensualidad de la figura humana se destaca hasta tal punto que llega a ser considerado un pintor erótico.

Principal enclave de los negocios del Imperio, por allí circulaban grandes riquezas y con ellas, demanda de productos, modas y como no, arte. Formado en el naturalismo y el tenebrismo como sus predecesores, Murillo acabó siendo su contrapunto. De composiciones suaves y delicadas, lo convirtieron en el gran pintor de la Virgen y del Niño.

Dentro de una obra variada y abundante, representó con un estilo propio a la Inmaculada Concepción, de la que pintó cerca de 20 versiones. Seguidor del tenebrismo, su pintura quiere conmover al espectador con unos temas de fe y misticismo. Y el estilo austero y rotundo evoluciona tras el contacto diario con la colección real de Tiziano y el encuentro con Rubens.

El espacio es real y los personajes míticos, esmeradamente reproducidos, adquieren rostro, anatomía y expresiones de la plebe. Visión idealizada de la recuperación de aquella estratégica ciudad por las tropas de Felipe IV a los holandeses. No representa la humillación del contrario sino la hidalguía y la nobleza de los contrincantes. Una gran parte de su producción pictórica lo tuvo que dedicar a retratar a la familia real, con la que mantuvo una relación muy cercana y en muchos aspectos, alejada de la mera pintura.

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En sus retratos de Corte, consigue infundir vitalidad al rígido esquema convencional. Bufones, enanos o cortesanos crean un elenco pictórico de los que intenta extraer su verdadero espíritu. En el mismo plano en que se encuentran los Reyes, reflejados en un espejo. Como decía el pintor Luca Giordano: este cuadro es la teología de la pintura.


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A mediados del siglo XVII, irrumpe la moda de un género hasta entonces secundario, el bodegón. Cuadros de galerías, ambientes cortesanos, pintura de gabinete Los temas de la pintura en general también eran distintos de los holandeses. Con Felipe V llega una nueva dinastía al trono de España. Al morir sin descendencia Carlos II, hijo Felipe IV, se provoca una cruenta Guerra Civil con participación del resto de potencias europeas que ven una oportunidad para partir el ya castigado botín imperial. La guerra de sucesión española y la llegada de los Borbón a la corona, coincide con la pérdida definitiva de la influencia en Europa y el auge del imperio inglés, que cuestionaba la hegemonía hispana en Ultramar.

Con él, la imagen de la realeza española pasa a manos de pintores franceses. Del gusto de una ostentosa aristocracia y de una altiva burguesía llega a la pintura el lirismo, lo efímero, hedonista, sensual y caprichoso: el rococó. Goya, es el pintor que vive la transición entre el final del viejo régimen, la ilustración, y las revoluciones burguesas que abren la puerta a una nueva época.

Aquí, llegó a tener tres obras expuestas, todavía en vida.